Críticas de cine

Críticas de cine

Dentro del laberinto que se puede llegar a considerar la sociedad moderna, hay mucho miedo en el ambiente. Miedo a chocar con los valores o las condiciones particulares de la gente que nos rodea. Y haciendo un análisis personal del asunto, nos damos cuenta que el miedo realmente no es el de ofender al otro, de cruzar algún límite que dañe o lastime a nuestro prójimo, sino que el miedo se centra en que se nos perciba a nosotros mismos como alguien que está fuera de lo correcto. El miedo a no ser políticamente correcto que tienen algunos países desarrollados realmente es un miedo a verse mal en sociedad.

Hago esta reflexión porque si a John Callahan, personaje real en el que se hace homenaje en la película “No te preocupes, no irá lejos” hubiese desarrollado su trabajo como caricaturista en la actualidad, hubiese sido crucificado. Estamos en una era  en la que nos preocupan cosas  bobas, hay activismo inecesario y la gente se ofende por cosas absurdas y simples.

El centro del trabajo de Callahan era burlarse y hacer humor de personas en de las que nadie haría humor: personas con discapacidad, homosexuales, feministas, extranjeros,  personas de color… incluso su contra parte, se burlaba de los racistas, del KKK, de los homofóbicos, de la gente sin discapacidad… Callahan se burlaba de todo el mundo.

Y es que el mismo pertenecía a uno de estos grupos. Y antes de explayarme más les explico.  “No te preocupes, no irá lejos” es la historia de Callahan, quien a los 21 años sufrió un accidente automovilístico que lo dejó cuadrapléjico debido a sus múltiples adicciones, como a la del alcohol, problema que sufrió durante casi toda su vida antes y después del accidente.

“No te preocupes, no irá lejos a pie”

Sin embargo este problema lo hizo encaminarse a una carrera de caricaturista con un humor increíblemente ácido que le permitió seguir trabajando en medios como Willamette Week,  Playboy y The New Yorker   Y alcanzar una fama necesaria para alguien tan brillante como él.

La trama de la película es algo lenta, pero vale la pena porque al final sales del cine con el corazón arrugado con la historia de autodestrucción y auto realización de este hombre.  Y en gran parte esto es por la brillante actuación de Joaquin Phoenix.  Quien se mete tan bien en la piel de este personaje que cuesta reconocerlo a ratos. Él está acompañado con un grupo de actores extraordinarios como Rooney Mara, Jonah Hill y Carrie Brownstein Mención aparte es el papel de Jack black, quien se escapa de su actuación bonachona y prácticamente plana que hace en todas las películas en donde actua, y hace un papel si no genial, interesante.

El trabajo de Callahan especialmente las mejores caricaturas, puede conseguirse  en Google muy fácilmente y “Quads” la serie de televisión animada que transmitió Locomotion en la primera década de este siglo, escrita y producida por Callahan y que estaba basada parcialmente en su vida se puede descargar en un sin número de páginas de streaming.  Revísenla, están geniales.

Es en definitiva complicado hacer cine en Venezuela, sobre todo por el estigma que el espectador tiene, gracias una interminable retahíla de películas malas, acerca del cine que se hace acá.

No voy a decir que Muerte en berruecos, del venezolano Caupolicán Ovalles   es una mala película porque no lo es. Es una super producción que tiene  todos los puntos para ser llamada una de las películas mejor producidas y realizadas de los últimos años, con excelentes actuaciones y unos efectos impresionantes, además de las mejores locaciones y un gran guión… pero tampoco es una película fácil para el espectador, y les diremos por qué.

La obra se centra en la investigación del asesinato de Sucre realizada por el Capitán Alejandro Godoy, interpretado por Luis Gerónimo Abreu, dado que la visión del equipo no era realizar una biografía del prócer, sino un thriller policial a caballo. En ella se cuentan todos los elementos que llevaron a la muerte del prócer, desde varios puntos de vista.

A través de este interesante ángulo, se va contando una historia que lejos de ser lineal, abusa de los flashbacks y de algunos elementos de edición que la hacen confusa a ratos.  Sin embargo, además de algunas escenas confusas por este mismo elemento retrospectivo, de un par de escenas melodramáticas (Una especialmente horrible con una escopeta y una señora) y un personaje que no era del todo creíble, la cinta es verdaderamente recomendable y de verdad es una experiencia visual.

La música de manos de Valdemar de lima, y la edición de sonido son increíbles, y son una de las mejores aspectos técnicos de la película. Hay que destacar también que los escenarios son tan recónditos y complicados que los productores de la película debieron haber hecho un trabajo impresionante, y además los vestuarios son impresionantes.

Otra cosa que hay que destacar es la Excelente fotografía y arte del film, ya que nos recuerda en muchas ocasiones a los mismos cuadros de los grandes pintores venezolanos históricos.

Muerte en Berruecos es una gran película, que salvando el par de detalles incómodos que mencioné anteriormente, es una experiencia muy recomendable, no sólo por el disfrute de una buena historia, sino porque es un ítem cinematográfico que reabre el debate sobre la duda histórica sobre el asesinato de Sucre, en un momento en el que estos temas tienden a ser tocados con sesgo político partidista, cosa que hay que aclarar, la película está afortunadamente libre de él.

Me cuesta muchísimo ser objetivo con esta película porque la llevo esperando más de cuatro años. He leído el libro alrededor de 6 veces y siempre le consigo algunas cosas más. Sin embargo como todo trabajo que se respete, intentaré no irme de bruces al decir que todo es perfecto.

Ready player One es una orgía de referencias no sólo a los acños ochenta como el libro original se refiere, sino a miles de universos imaginativos de diferentes empresas. Incluso hay material de la “Competencia” porque se ven incluso elementos de la guerra de las galaxias y de Marvel comics.

Algunos youtubers y otros expertos en la materia, han contabilizado las referencias de la película en más de trescientas.

¿De qué trata?

Es el año 2045. Mientras las grandes multinacionales se reparten las ganancias de un mundo en decadencia, la mayoría de la población mundial vive hacinada en torres formadas por autocaravanas. Se acabó la gasolina en el mundo y sólo unas pocas ciudades, como la de silicon valley, cuenta con trabajo en el mundo.

Wade Watts (Tye Sheridan, el cíclope de Xmen) es un joven aficionado al videojuego de realidad virtual llamado OASIS que, con todas las posibilidades imaginables que ofrece, le proporciona una vía de escape, como a tantos otros ciudadanos que dedican más tiempo al juego que a la deprimente y oscura vida real.

El excéntrico creador de OASIS, James Halliday (Mark Rylance), que amasa una inmensa fortuna con su compañía GSS, es un gran fan de los años 80. Tras su muerte se anuncia en un video testamento que el juego contiene un Easter Egg. Quien lo encuentre heredará toda su fortuna. El joven Wade decidirá, como tantos otros, lanzarse a la carrera para encontrar el Easter Egg, resolviendo un rompecabezas cuyas claves están basadas en la cultura popular de los años 80 y así conseguir el preciado galardón. Comienza entonces una frenética carrera en la que la única opción para sobrevivir es ganar.

Libro vs película

La historia es muy difícil de explicar y cómo tal se lleva unos grandes veinte minutos intentarlo y lograrlo, y en la película se nota mucho, ya que incluso utilizan la técnica del narrador para lograrlo. En el libro esto se logra muy fácilmente utilizando un capítulo introductorio en donde además te explican las reglas del mundo en el que te estás metiendo conforme lees, y además te lanzan un gran spoiler inicial. Esta es la historia de cómo Wade lo logra.

Si bien es muy compleja la historia, Steven Spielberg logra hacer una adaptación tan emocionante como en su momento fue volver al futuro o Indiana Jones, sólo que para milenials y cargada de referencias. El libro tiene la particularidad de tener su propia banda sonora: Es decir, cada paso que se da es mencionada una canción, por lo que la lectura se vuelve cada vez más divertida. Vale destacar la escena de la discoteca, en donde los personajes se caen a tiros con Atomic de Blondie, y la situación es detenida cuando parece demasiado tarde por un personaje importantísimo que en la película está casi en plan de invisibilidad.

La película es en realidad una reedición completa del libro. Es como si hubiesen tomado la esencia de la historia y la hubiesen transformado en otra historia. Las pruebas son completamente diferentes, habiendo incluso hasta tres pruebas para conseguir cada llave y cada portal. Esto en el cine sería impensable, reduciéndose a tres únicas vertiginosas pruebas que se resuelven muy rápidamente. Si fuera otro tipo de historia, sería una pésima adaptación, pues sólo los elementos principales están en la película. Sin embargo de la mano de Spielberg esta pieza toma vida propia y se transforma en una buena pieza.

Una cosa terrible, es la forma en la que presentaron a varios personajes relativamente secundarios pero que en el libro cumplen unas funciones importantísimas haciendo avanzar la historia. Hablamos de Daito y Shoto, y del mismísimo ocho, quien en el libro es el mejor amigo Gunter de perzival, el protagonista, y quien brinda apoyo al mismo en todo momento, y sin embargo en la película está completamente ignorado. Y ni hablar de Daito y shoto, si los hubiesen sacado de la trama hubieran hecho prácticamente lo mismo.

Otra cosa que se sacrifica en la película es el sentido mismo de la competencia. La película termina siendo una construcción grupal, incluso el protagonismo en solitario que lleva Parzival durate el libro en la pantalla se divide en dos, siendo su contraparte protagonista la misma Art3mis, quien cumple un papel importante haciendo lo que Parzival hizo en la sede de IOI y a la vez dirigiendo una rebelión armada.

El tema caballeresco o de los clanes de los Egg Hunters o Gunters quedó completamente por fuera, y salvo un par de menciones, no se hace mucho caso al asunto. En el libro este elemento es una especie de nuevo caballero de la realidad virtual, y es algo que debieron explotar mucho mejor.

En principio, les recomiendo ver la película y además leer el libro. De verdad se los recomiendo.

 

 

Tomb Raider es una película bastante disfrutable en donde las aventuras por las que pasa la bellísima Lara Croft encarnada en Alicia Vikander nos lleva a una trama que definitivamente no es un reebook delas dos películas protagonizadas por Angelina Jolie, sino más bien más bien una adaptación ultra fiel del video juego que se rebooteó en 2013.

La pregunta de que si sirve como adaptación y rompe la maldición de las películas malas de adaptaciones de video juegos  deberás contestarla siempre tú, pero en nuestra humilde opinión vale la pena verla sobre todo si eres gamer y a la vez fanático de tombraider, en cualquiera de sus versiones.  La película de verdad es idéntica al remake del juego de 2013, y  se puede decir que es puro fanservice, al punto de escuchar el latido del corazón de Lara al momento de que esta está en peligro, y de pasar por escenas que son idénticas a las del video juego con escaladas, saltos imposibles en momentos peligrosos y hasta la clásica esquivada de tuberías giratorias dentadas a base de saltos y barridas. Toda una aventura.

Sin embargo si no has tocado un control en tu vida y mucho menos conoces a Lara de las consolas, para ser una película de video juegos está muy bien hecha. Es una historia que te lleva de la mano de una manera un poquito predecible hacia su desarrollo y te hace gozar de cada uno de sus momentos. Es interesante ver cómo ella va poco a poco desarrollándose como personaje,  lo que la hace emocionalmente vulnerable  y capaz de sufrir daño, o hacerla sufrir al momento de matar por primera vez, como un buen elemento narrativo.

Alicia vikander es hermosa y de verdad llenó bien el papel como heroína de acción ya que su actuación es muy creíble y agradable.  Mas no se puede decir lo mismo del villano.  El papel de Walton Goggins es olvidable, aunque cumplen su efecto, generar molestias e incluso un poco de odio en el espectador, el personaje eestá plagado de clichés que ya hemos visto en miles de películas antes que esta, aunque yo no culparía a los guionistas de la película sino a los del video juego.

El guion es flojo, incluso se podría decir que cliché, pero a esto podríamos culpar nuevamente al videojuego . Como les comento, la película es una adaptación  muy fiel de este video juego de reinicio.

Mi opinión: No es mala, de hecho es muy divertida y nos hace amar de nuevo a Lara Croft. Yo quiero una segunda parte. De verdad, vale la pena verla.

Esta no es una película de terror. Es sólo una película incómoda. Algunos la han denominado ya como la “Madre!” de este año, aunque puedo decir que esta es mucho más dura de ver por la impresionante tensión que va aumentando poco a poco hasta hacerte querer estallar. Sin embargo puedo decir que es una obra maestra.

El Sacrificio de un ciervo sagrado es la nueva película del cineasta griego Yorgos Lanthimos,.

Esta es la Sinopsis:  Steven (Colin Farrell) es un eminente cirujano casado con Anna Nicole Kidman,, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro.  Se revela que la relación entre Martin y Steven es mucho más truculenta de lo que nos quieren mostrar, y entonces el doctor deberá tomar una decisión horrible: Matar a un miembro de su familia.

La película es horrible porque te crea una tensión que va comenzando poco a poco desde la primera escena que va creciendo hasta que comienza en el espectador una lucha: si salirse del cine o averiguar cómo se desenvolverá la trama. Sin embargo aunque la pinto como algo difícil de ver, esta película es una obra maestra, con una excelente fotografía, y unos planos extraordinarios que buscan no sólo sacarnos de la comodidad en la que nos vemos envueltos, sino también contar una historia que nos hace salir del cine (Cuando termina la película) aún intentando atar los cabos de lo que pasó.

La película tiene contrapicados impresionantes, tomas muy abiertas y extrañas, reiterados acercamientos a los rostros de los personajes, primeros planos un poco asficciantes, tomas de los personajes fuera de cuadro. Lo importante es que la película genera una reacción importante, y es que el arte, si se aprecia de serlo, debe causar algún tipo de reacción en quien mira, sea de afinidad o rechazo. Si no produce ningún tipo de reacción, no es arte, es un cenicero o una piedra.

El sacrificio de un ciervo sagrado es perturbadora porque realmente quiere ser así y es algo exquisito. Desde la primera escena nos volvemos locos, pues nos muestran una pantalla negra que no lleva a ningún lado durante un par de minutos, y luego con lo primero que muestran tu deseas que vuelva la pantalla negra.

Lanthimos Nos tiene acostumbrados a meternos dentro de sus películas en Meta- mundos que son verdaderamente fantasiosos  alejados de lo aparentemente real,. Recordemos sus anteriores dos películas,  Langosta, en donde El mismo Collin Farell protagoniza como un hombre soltero que tiene pocos días para enamorarse en un mundo en donde se ha vuelto ilegal estar soltero, o Canino, en donde una familia tiene a sus hijos treintones alejados del mundo exterior y los trata como niños.

Las actuaciones son brutales, aunque monocordes. Los diálogos de los personajes son planos, pues la dirección se los exige, sin embargo y tras este elemento, se puede sentir a veces la desesperación de los personajes y el temor de la familia. Hay que destacar la gran actuación de quien se roba el show,  Barry Keoghan el joven que servirá como villano y a la vez como agente desencadenante de la historia en sí.

Tomen aire y vayan a ver el Sacrificio del Ciervo sagrado. Vale la pena verla.

Esta película es trepidante,  no sólo como cine de acción sino también como película de autor, pues tiene la firma extraordinaria de Jaume Collet-Serra, un cineasta que utiliza de manera muy eficiente el lenguaje cinematográfico, haciendo que la última película de Liam Neeson antes del retiro sea una verdadera joya.

Liam Neeson ha prestado su sobrio estilo de actuación para construir la imagen más reconocible del padre de familia convertido en guerrero. Nos muestra a pesar de las arrugas, cómo es un hombre de autoridad atrapado en una rutina insoportable, pero que da pie a una trama divertida y a la vez angustiante.

El realizador Jaume Collet-Serra es el artífice, en gran medida, del éxito de Neeson como héroe de acción. Eso se debió a “Desconocido” (2011), inspirada ópera hitchcockiana en la que el actor irlandés trata de recuperar su identidad robada por un grupo criminal tras un accidente en Europa. La amistad entre Neeson y Collet-Serra siguió dando frutos con “Sin escalas” (2014) y “Run All Night” (2015), filmes que renuevan a Hitchcock con una dosis más alta de adrenalina, y con el uso del suspenso en renovadas formas gracias a los dispositivos de comunicación de nuestra era.

En ‘El pasajero’, Neeson interpreta a Michael MacCauley, un agente de seguros con una vida estable al que despiden sin motivo aparente al inicio del filme. Para Michael es una situación complicada. Como él mismo le recuerda a su jefe, ya tiene 60 años y solo le quedaban cinco para la jubilación. Además, como descubrimos poco después, ya había dejado atrás otra carrera profesional como policía. Incapaz de confesarle la verdad a su esposa por teléfono, emprende como siempre el viaje de regreso a su casa. Es en el tren donde recibe una oferta que no podrá rechazar. Una misteriosa mujer, Joanna (Vera Farmiga borda estos papeles), le ofrece 100.000 dólares a cambio de localizar a un pasajero no habitual de ese trayecto que carga con un maletín. Poco después, Michael descubre que los cómplices de Joanna tienen retenidos a su mujer y su hijo. No le queda otra que iniciar la búsqueda de esa misteriosa persona que responde al alias de Prynne antes de que el tren llegue a su destino.

La historia está perfectamente bien contada y el guion es excelente. Desde el principio te mantiene en vilo, y el director utiliza recursos como el montaje cinematográfico para contarte cosas que no te dice con palabras, o un sencillo paneo de cámara a lo largo del tren para denotar la gravedad del mundo en donde por la siguiente hora el personaje deberá moverse para poder sobrevivir.  Y Eso es brillante, porque la historia nos mantiene en vilo, hasta cuando parece que la historia terminó, y luego de eso continúa.

Demás está decir que Los juegos de cámaras, la fotografía y las secuencias es una de las mejores cosas que la película tiene para ser recordada, además de por supuesto ser excelente.

El pasajero’ se despliega sobre todo como un ‘thriller’ de misterio de aires hitchcockianos. Puro cine de entretenimiento hollywoodiense que nos hace preguntarnos porqué son tan interesantes las películas (Bien contadas) que se realizan en trenes.  De verdad completamente recomendable.

Cada día que pasa se agendan en cartelera nuevas películas que no estaban en nuestra lista inicial, sin embargo aquí les traemos nuevamente el gran listado de estrenos para Venezuela de las películas que veremos este año. Espero lo disfruten.

 

Lo conversábamos antes de entrar a la sala, Los venezolanos tenemos la mala constumbre de no aceptar los documentales de buena manera y sin embargo hay joyas entre lo que se produce y se exhibe en el país que no se pueden dejar pasar.

Nos llaman Guerreras es una película documental sobre el equipo de futbol femeníno de la sub 17  (ahora sub 20, todas las chicas han crecido)  y cómo ellas casi ganan la copa mundial. Pero curiosamente es un film que no habla de futbol de primera mano; el mensaje que transmite es sobre la superación del venezolano y como estamos acostumbrados a salir adelante en las situaciones más adversas y a coronarnos campeones. Muchas de las muchachas vivían (y aún lo hacen) en la mayor pobreza posible, y desde este ángulo las vemos tomar vehículos rudimentarios durante horas, sufrir hasta llegar a las prácticas y de allí a clasificar siendo las mejores para viajar por todo el mundo para competir y luego regresar a sus casas en las mismas condiciones, pero con el orgullo de ser por un rato la representación de todo un país que las aman.

La película debería exhib

 

irse en colegios, liceos y comunidades porque más allá de hablar de futbol es una película que inspira, y lo hace de manera entretenida y con una calidad técnica impresionante. La película debe tener una de las fotografías más hermosas y arriesgadas del cine venezolano, además de contar con una excelente narrativa y una música que cautiva e hipnotiza.  Sobre la productora que lo realizó también hay una historia compleja: Ellos son Al Agua Producciones, y su nombre viene de sus comienzos haciendo videos de bodas. Y de allí saltaron a hacer trabajos como estos, que los convierten en otro ejemplo de superación y de que no importa el contexto país, sí se pueden hacer cosas grandes si uno se lo propone.

La película además llega en un momento importante de empoderamiento femenino en el que las mujeres, ya de por si empoderadas, están teniendo el protagonismo de la vida diaria, y qué mejor que hacerlo mostrando cómo es la vida de un gran equipo de futbol femenino (Un deporte tradicionalmente masculino) para hacerlo.

“Nos Llaman Guerreras”, es un documental creado y dirigido por Jennifer Socorro, Edwin Corona Ramos y David Alonso, este último falleció tiempo antes de culminar el documental. Y puede verse en salas a partir del 16 de febrero. No dejen de verlo porque  Nos llaman guerreras ayuda a que la gente se identifique con estas heroínas  y genere los cambios que se necesitan para construir país.